罗宾·奥斯本　Robin Osborne 牛津大学古代史教授，牛津大学基督圣体学院会员及导师。其著作包括《居民点：对古典阿提卡的发现》《有形象的古典风景：古希腊城市及其乡村》《塑造中的希腊：公元前1200年至前479年》等，编著作品包括《古希腊文化中的艺术与文本》等。 中文版序 艺术史的写作方式各异。就西方传统而言，20世纪的艺术史倾向于将重点放在形式分析。艺术史的叙述从一位艺术家过渡到另一位，简述生平，并从形式方面解释为何每位艺术家之作都与之前的有所区别。此种写作不免暗示艺术家在承前启后，不断地向着某种艺术的理想迈进。 古希腊艺术史曾用同样的常规方式书写而成。由于无法辨认具体艺术家之作，学者运用同样的写作技巧，将艺术家的代代相传纳入一个整体叙述。在那些故事中，形式的转变被讲述为受到愿望的驱动，即一代又一代艺术家希望越来越达到“自然主义”，在绘画或雕塑中“自然地”再现人体。 细致考察之下，艺术总有诸多形式特征可以言说。正是由于我们对艺术家再现世界创造的形式提出问题，才敦促我们自身仔细观看。但若将关注点完全聚焦于形式转变则存在如下的危险，忽视这样的事实：艺术家是人。他们的生活与其他人、与周遭世界的联系不仅在于形式，而是与做事的人和事情发生的地点相关。 在我之前，研究古希腊艺术史的其他学者，强调利用艺术探查个人与周围不断变化的世界如何相互作用。我本人在学生时代受到波利特教授（J. J. Pollitt）所著《希腊古典时期的艺术与经验》（Art and Experience in Classical Greece, Cambridge University Press, 1972）一书的启发，但波利特教授主要试图将古希腊绘画和雕塑置于与同时代古希腊文学的关系中，我则希望鼓励读者将古希腊绘画和雕塑植入更为广阔的历史时期，与其说将艺术品与其他同时代的文化产品或历史事件并置或联系…