《论摄影》不仅是一本论述摄影者的经典著作，而且是一本论述广泛意义上的现代文化的经典著作。它不是一本专业著作，书中也没有多少摄影术语，尽管有志于摄影者，应人手一册。它的对象主要是知识分子、作家和文化人。 桑塔格深入探讨摄影的本质，包括摄影是不是艺术，摄影与绘画的相互影响，摄影与真实世界的关系，摄影的捕食性和侵略性。摄影表面上是反映现实，但实际上摄影影像自成一个世界，一个影像世界，企图取代真实世界。 对读者而言，这本书的丰富性和深刻性不在于桑塔格得出什么结论，而在于她的论述过程和解剖方法。这是一种抽丝剥茧的论述，一种冷静而锋利的解剖。精彩纷呈，使人目不暇接。桑塔格一向以庄严的文体著称，但她的挖苦和讽刺在这本著作中亦得到了充分的发挥。 《论摄影》出版于一九七七年，轰动一时，引起广泛的讨论，并荣获当年的全国图书批评界奖，至今仍被誉为“摄影界的《圣经》”。 本版配以60余幅世界摄影史上的珍贵照片，推出极具艺术品位与收藏价值的“插图珍藏本”，使《论摄影》真正成为图文并茂的文化经典。 苏珊·桑塔格：1933年生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙娜·波伏瓦、汉娜·阿伦特并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖，2001年获耶路撒冷国际文学奖，2003年获德国书业和平奖。2004年12月28日病逝于纽约。

★ 摄影家阮义忠的三堂创作课； ★ 摄影改变他，他改变世界； ★ “启蒙者与拓荒者”写给青年摄影人的创作秘籍； ★ 收录百余幅经典摄影作品，艺术爱好者不可错过的盛宴。

享有“世界摄影之于中国的启蒙者和传道者”之名的摄影家阮义忠，是华人摄影界的重要人物。上世纪七十、八十年代，他撰写的《当代摄影大师》《摄影美学七问》等著作、创办的《摄影家》杂志，把世界摄影大师的作品介绍到国内，影响了一代人。他的作品讨论摄影而不限于摄影，跨越个人、社会、历史、科技、文化、传播、建筑、文学等层面，拓宽了摄影的文化视野，也为摄影在人文地图中的定位提供了更准确的坐标。陈丹青曾说：“阮义忠的言说侧重摄影的社会与道德立场，陈传兴的表述则把握摄影的文化涵义。我相信如阮义忠那般热情，陈传兴那般冷静的有志于摄影启蒙的人物经己出现并散布在我们周围……我愿预先向他们表达或者说，追致敬意。” 2020年，七十岁的阮义忠先生站在人生新的起跑点上。像一台永动机，仍然不断进取。位于故乡宜兰的“阮义忠台湾故事馆”定期以对话形式展览名家摄影作品，两年一度的“阮义忠摄影人文奖”不断发掘有潜质的摄影家。而《阮义忠谈艺录》中，有足以填补艺术史空白的书信访谈，有成书于二十多年前的真挚探讨，这一套“不止于摄影”的多维度艺术手册，跨越了摄影、建筑、绘画、音乐等领域，把这一切都融合在一起，提供一种富于人文情怀的看世界的方法：把外界和自身经历相互点亮，变成属于自己的烙印。 三本书从不同角度切入，跨越摄影、绘画、音乐、建筑等众多领域，让读者走近摄影作品背后的阮义忠，感受生活美学、文字的温度和字里行间的人文情怀。书中收录百余幅经典摄影作品，每一帧图片都经过精修，清晰度和层次感都有极大改善，是一场艺术爱好者不可错过的视觉盛宴。

一部135相机下的二战史 《失焦》中，卡帕回忆了1942年夏至1945年春他作为随军记者亲历的一系列重要战役——西西里战役、诺曼底登陆、解放巴黎、攻克柏林。书中，卡帕用照片记录下交战双方的普通士兵——弹坑中，病床上，空降前，抢滩后……还以文字生动描述了战场内外的巴顿、布莱德利、李奇微等二战名将。以战地记者的职业敏感，再现了战争中的小人物与大人物。 收录卡帕二战中遗失之作，部分照片为国内首次公开 书中收录罗伯特·卡帕战地摄影作品87张。其中，1944年作家海明威车祸后养伤期间的照片，卡帕二战期间伦敦女友伊莲·贾斯汀（Elaine Justin）——小粉（Pinky）的照片，以及近年来重新发现的“二战遗失之作”为首次在罗伯特·卡帕中文出版物上呈现。 全面修订书中摄影专业名词、军事术语，以及习语俚语翻译，兼顾时代性与经典性 书名《失焦》（Slightly Out of Focus）又内译为“焦点不太准”。如同书名的双关运用，卡帕的文风幽默诙谐，修辞运用收放自如。中文第3版结合英文初版对译文进行了全面修订，确保了语言风格上的“原汁原味”，并对部分摄影器材、武器装备、番号军衔、人名地名的译法进行了更正。 纪念马格南图片社（Magnum Photos）成立70周年(1947-2017)，珍藏纪念版 《失焦》（珍藏纪念版）在装帧设计上回归经典，复刻新闻记者随身笔记簿的持久耐磨性。图书采用黑色粗纹皮面，圆脊精装，挑选针式打印机复古字体，裱封烫印，再现战地摄影之精神。 卡帕有着典型的冒险家的性格，他曾说过：“如果你拍得不够好，那是因为你离得不够近。”——这已成为摄影领域的“金句”之一，而他自己，则成为了战地摄影师的代名词。 《失焦》是罗伯特·卡帕亲历二战的摄影手记，作品忠实记录了他在战争中经历和感受到的一切。展卷阅读，有时会哑然失笑，而更多的时候，则会让人心情沉重。卡帕深深热爱生命，热爱和平，他厌恶战争，痛恨自己的职业——眼看着一个个年轻的生命，生死只在一瞬间，任谁也无法承受这种巨大的反差——尤其是当这种事情就发生在自己的身边，甚至随时会发生在自己身上时。然而卡帕却以近乎“冷酷无情”的冷静忠实地记录下这一切，他的文字，他的照片，无一不充分体现出这种冷静，而隐藏在冷静背后的，是用生命才能换取的勇气。 罗伯特·卡帕（Robert Capa），原名安得烈·弗里德曼，匈牙利人，有史以来最伟大的战地摄影师。卡帕成名于西班牙国内战争时期，中弹倒下的士兵也成为战争摄影的不朽之作。二战期间，他到访过中国，并投身北非、欧洲战场的许多重大战役，拍摄了不少极为精彩的照片，其中尤以诺曼底登陆最为令人难忘。1947年，卡帕与摄影师大卫·西摩（David Seymour）、布列松（Henri Cartier-Bresson）、乔治·罗杰（George Rodger）在纽约创办了马格南图片社（Magnum Photos）。1954年，他志愿来到越南战场，不幸误踏地雷身亡。

从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？ 从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与幻的文学和艺术想象？ 从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？ 从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？ 有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。 巫鸿（Wu Hung），著名美术史家、批评家、策展人，芝加哥大学教授。1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位，同年受聘主持芝加哥大学亚洲艺术教学，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任，兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。2008年被遴选为美国国家文理学院终身院士，并获美国大学艺术学会美术史教学特殊贡献奖，2016年获选为英国牛津大学斯雷特讲座教授，2018年获选为美国大学艺术学会杰出学者，2019年获选为美国国家美术馆梅隆讲座学者，并获得哈佛大学荣誉艺术博士。成为大陆赴美学者获得这些荣誉的第一人。

维利·罗尼的作品覆盖了整个20世纪。他是个很执著的人，从最初开始拍摄就伴随着并记录下巴黎人民为了更美好的生活而进行的奋斗。他比任何人都更有资格为巴黎几乎一个世纪以来的历史作证。现今他的照片被世界各地的博物馆所收藏，同时也在世界各大都市如巴黎、纽约、东京、布宜诺斯艾利斯等地举办他个人的作品回顾展。这本书每篇文章都是以“那一天”开头，记述了作者拍摄每一幅照片背后的故事。书中不但收录了大师的经典作品，而且由大师详尽讲述拍下每张照片时的心里活动，他的把握、他的错失，他想捕捉到的氛围，他期待呈现的意义。这些拍摄于不同时间的作品，完整呈现出巴黎这座城市的变迁，最动人的是对不同时代人物的记录。这本书不单是摄影集，同时包括大师对自己精选作品的剖析，也是摄影爱好者的经典收藏。 维利·罗尼（WillyRonis，1910—2009），法国著名摄影家。1910年诞生于巴黎，父亲是来自敖德萨的犹太摄影师，母亲是来自立陶宛的钢琴教师。15岁拥有第一台照相机。1937年，决定成为独立新闻摄影师。1949年，加入Rapho图片社，拍摄题材丰富广泛，其中包括社会名流、工业报道、广告、时装等。1957年，荣获威尼斯双年展金奖。陆续在巴黎多所艺术学院执教。1975年，继布拉塞之后，接任法国摄影师—记者—插画师协会的名誉主席。1979年，获法国教育部颁发的摄影艺术金奖。随后因摄影集《沿着命运之线》获得法国摄影大奖纳达尔奖。1993年，成为英国皇家摄影协会成员。2008年，获得法国政府荣誉军团军官级勋章。其照片曾在世界多国举办过专题展览。于2009年9月11日去世。 他与布列松、布拉塞和杜瓦诺一样，被认为是法国人文摄影派的主要摄影师之一。他的第一张照片拍摄于1926年，一直拍到2002年，作品几乎覆盖了整个20世纪。

★作为一本汇集约翰·伯格毕生写作之精华的“摄影新经典”，《理解一张照片》不仅教会人们观看摄影，更教会人们观看世界。 ★约翰·伯格将文章的关注焦点始终放在摄影与社会、与文化、与人们切身感受到的现实的关系之上，这不仅成就了《理解一张照片》作为一本论述摄影之著作的理论深度，也成就了这本书作为一本借由摄影，论述、批评社会文化现实之著作的议题广度。 ★中国人民大学新闻学院副教授、知名摄影学者、“1416摄影教室”博客创办人任悦亲自操刀翻译。 约翰·伯格被誉为20世纪摄影领域最有原创性的评论家之一。他的文章，如同瓦尔特·本雅明的《摄影小史》、苏珊·桑塔格的《论摄影》和罗兰·巴特的《明室》一样，启发了一代又一代爱好摄影的普通读者、摄影师和像他一样“写摄影”的人。 《理解一张照片：约翰·伯格论摄影》是伯格过去五十年“写摄影”的文章精华，由英国国宝级作家杰夫·戴尔悉心编选。本书以时间为序，不仅全面收录了伯格最有影响力的摄影名篇，如《摄影的使用》《外观》《故事》等，也将此前未见收录的、他为展览或图册撰写的评论纳入其中，其中涉及的人物极其广泛，从摄影大师奥古斯特·桑德、亨利·卡蒂埃-布列松、尤金·史密斯，到至今仍在活跃的摄影师伊特卡·汉泽洛娃、阿拉姆·谢卜利。很大程度上，这24篇文章代表了约翰·伯格有关摄影之写作的最高水准。 全书收录近三十张经典黑白摄影作品，方便读者在阅读伯格文章的同时，更好地理解像奥古斯特·桑德、保罗·斯特兰德这样享誉摄影史的大师名作，以及克里斯·基利普、伊特卡·汉泽洛娃、阿拉姆·谢卜利这样至今仍活跃于创作一线的名家新作。 约翰·伯格（John Berger），英国艺术评论家、小说家、画家和诗人，1926年出生于英国伦敦。1944至1946年在英国军队服役。退役后入切尔西艺术学院和伦敦中央艺术学院学习。1940年代后期，伯格以画家身份开始其创作生涯，于伦敦多个画廊举办展览。1948年至1955年，他以教授绘画为业，并为伦敦著名杂志《新政治家》撰稿，迅速成为英国最有影响力的艺术批评家之一。1972年，他的电视系列片《观看之道》在BBC播出，同时出版配套的图文书，遂成艺术批评的经典之作。小说《G》为他赢得了布克奖及詹姆斯·泰特·布莱克纪念奖。2008年，伯格凭借小说《A致X：给狱中情人的温柔书简》再次获得布克奖提名。2017年1月2日，约翰·伯格在法国安东尼去世。 任悦，策展人，摄影评论人，摄影教育工作者，现任职于中国人民大学新闻与传播学院。出版有《1416摄影辞典》等著作。

《论摄影》不仅是一本论述摄影者的经典著作，而且是一本论述广泛意义上的现代文化的经典著作。它不是一本专业著作，书中也没有多少摄影术语，尽管有志于摄影者，应人手一册。它的对象主要是知识分子、作家和文化人。 桑塔格深入探讨摄影的本质，包括摄影是不是艺术，摄影与绘画的相互影响，摄影与真实世界的关系，摄影的捕食性和侵略性。摄影表面上是反映现实，但实际上摄影影像自成一个世界，一个影像世界，企图取代真实世界。 对读者而言，这本书的丰富性和深刻性不在于桑塔格得出什么结论，而在于她的论述过程和解剖方法。这是一种抽丝剥茧的论述，一种冷静而锋利的解剖。精彩纷呈，使人目不暇接。桑塔格一向以庄严的文体著称，但她的挖苦和讽刺在这本著作中亦得到了充分的发挥。 《论摄影》出版于一九七七年，轰动一时，引起广泛的讨论，并荣获当年的全国图书批评界奖，至今仍被誉为“摄影界的《圣经》”。 苏珊·桑塔格，1933年生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙娜·波伏瓦、汉娜·阿伦特并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖，2001年获耶路撒冷国际文学奖，2003年获德国书业和平奖。2004年12月28日病逝于纽约。

本书是作者在《摄影笔记》的基础上进行悉心编辑整理后的作品。 作者结合亲身的拍摄经历，用通俗的语言将摄影技术娓娓道来，使读者真切地感受到学习摄影并不难。本书共分为4章，包含取景、曝光、摄影中的虚实、构图等内容。作者总结了亲身拍摄经验，创造出一套摄影教程体系，以思维导图的形式，引导摄影爱好者进行学习。作者深入浅出的讲解方式，让读者能够快速上手学习摄影技法，并通过实践，不断检验和提高自己的摄影水平。本书适合摄影初学者和摄影爱好者学习参考。 宁思潇潇 摄影笔记网主理人，摄影科普作家，摄影自媒体人，中国摄影家协会会员。从事摄影十余年，主要精力放在摄影科普教育方面，擅长将复杂的摄影原理讲得简单直接。能更迅速地将新器材新技术融入摄影教学中。

1927年，她登上《时尚》杂志的封面，当她的照片被意外用于卫生巾广告时她为惹怒了那些一本正经的人而深感自豪。 在群星璀璨的巴黎，她与曼·雷等超现实主义艺术家一同探索摄影技术，颠覆了男性执掌相机的传统。在“二战”的硝烟中，她在伦敦轰炸下求生，而后作为战地记者奔赴诺曼底前线，直面集中营的恐怖，深入希特勒的巢穴，以女性视角记录战争留下的满目疮……比起作为毕加索、曼·雷等人的缪斯，她更想成为自由的灵魂，做真正的自己。 从时尚模特到先锋摄影师，从战地记者到美食家，李·米勒堪称20世纪最传奇的女性之一。她始终在冒险与自我挑战的路径上前行，正如她对自己的评价：“我外表像个天使，内心却是个恶魔。” 收录116幅图片，包括李·米勒的经典摄影作品。不止于浮光掠影，而是见证一个时代。 安东尼·彭罗斯，作家、摄影师、雕塑家兼电影制作人。他是李·米勒和罗兰·彭罗斯爵士之子，是“法利住宅兼画廊有限公司”的创始人兼联合主任。他管理着有关他父母的档案与藏品，并将其旧居打造成了一处艺术场所。他著述颇丰，其中包括由泰晤士和哈德逊出版社出版的《李·米勒亲历之战》。 译者：罗妍莉，译者、作家。先后毕业于北京外国语大学及北京大学。译作《伯林传》曾获多家媒体的阅读榜及书单推荐，译作《群星的法则》荣获第十八届文津图书奖。原创小说及游记作品散见于澎湃新闻、科普中国网与《文艺风赏》《私家地理》等。

本书收录了大卫·霍克尼与好友保罗·乔伊斯关于摄影的对谈十七篇，内容关于霍克尼的图像思考与影像实验，展现了一位多才多艺、创造力十足的艺术家，在探索摄影可能性的道路上可以走多远。观看与空间，是霍克尼一如既往的关注。在本书中，他认为拼贴是摆脱传统观看方式的关键，是对表面的确认。霍克尼将自己的创作看作是用摄影来批判摄影。“毕竟，光用言语是不行的。你得使用摄影的语言。” 本书充分体现了一位杰出艺术家的实践自觉与理论自觉。作为大卫·霍克尼唯一一部专⻔论述摄影与影像艺术的著作，本书第一版曾在1994年被引进中国，在艺术相关专业的师生群体中引起了广泛讨论。此后的二十余年，随着大卫·霍克尼著作的中文版陆续推出，本书逐渐淡出了国内读者的视野。理想国首次引进增订本，期待它将持续激起新的、更大的水花。 大卫·霍克尼（David Hockney），画家、摄影师。20世纪60年代波普运动在英国的代表，被认为是20世纪最具影响力的英国艺术家，也是当今国际画坛最有影响力的艺术家之一。霍克尼早年接受正规艺术教育，毕业于伦敦皇家艺术学院，1966年（29岁）即在画廊举办个人画展。受现代主义思潮影响，创作了大量蚀刻版画，受到艺术界的重视。20世纪60年代多次到美国旅行，后在加州设立了自己的工作室。由此转向写实风格，并创作了多幅经典名作。如《更大水花》，《一个艺术家的肖像》等。 20世纪80年代起，霍克尼创作了一系列名为“Joiners”的摄影拼贴作品，通过宝丽来相片，探讨了绘画与摄影在视觉表现上的关系，对摄影作为艺术的可能性做了具有重要意义的探讨。这使他在摄影史上，享有与画家格哈德•里希特同样的重要地位。而在贡布里希的《艺术的故事》中，霍克尼也成为仅有的两位被介绍到的摄影师，另一位是布列松。 保罗·乔伊斯（Paul Joyce），电影制作人，拥有一家名为Lucida Productions的电影公司，主要拍摄艺术类纪录片。他是大卫·霍克尼的好友，20世纪80年代至21世纪初，因为工作关系，他曾有大量机会和霍克尼在一起，对霍克尼那一时期的生活、工作有较为全面的了解。