《关于他人的痛苦》是苏珊·桑塔格继《论摄影》之后又一本关于摄影的专著，也是她生前的最后一部作品。 这本书聚焦于战争摄影，探讨影像反映出的人的痛苦与观者之间的关系。惨不忍睹的影像尽管能唤起观者的悲悯之心，但人们的无能为力感更让这些在生活中无孔不入，又格格不入的影像显得多余而荒诞。若不经思考而直接相信影像之内容，我们的道德判断力只会愈来愈弱。桑塔格以纯文字书写影像，为观者提供思考空间以正视“他人的痛苦”。 苏珊·桑塔格（1933～2004年），她生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是当前美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙·波伏娃、汉娜·阿伦特被并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖、2001年获耶路撒冷国际文学奖，并获得2003年度德国图书大奖——德国书业和平奖。

★作为一本汇集约翰·伯格毕生写作之精华的“摄影新经典”，《理解一张照片》不仅教会人们观看摄影，更教会人们观看世界。 ★约翰·伯格将文章的关注焦点始终放在摄影与社会、与文化、与人们切身感受到的现实的关系之上，这不仅成就了《理解一张照片》作为一本论述摄影之著作的理论深度，也成就了这本书作为一本借由摄影，论述、批评社会文化现实之著作的议题广度。 ★中国人民大学新闻学院副教授、知名摄影学者、“1416摄影教室”博客创办人任悦亲自操刀翻译。 约翰·伯格被誉为20世纪摄影领域最有原创性的评论家之一。他的文章，如同瓦尔特·本雅明的《摄影小史》、苏珊·桑塔格的《论摄影》和罗兰·巴特的《明室》一样，启发了一代又一代爱好摄影的普通读者、摄影师和像他一样“写摄影”的人。 《理解一张照片：约翰·伯格论摄影》是伯格过去五十年“写摄影”的文章精华，由英国国宝级作家杰夫·戴尔悉心编选。本书以时间为序，不仅全面收录了伯格最有影响力的摄影名篇，如《摄影的使用》《外观》《故事》等，也将此前未见收录的、他为展览或图册撰写的评论纳入其中，其中涉及的人物极其广泛，从摄影大师奥古斯特·桑德、亨利·卡蒂埃-布列松、尤金·史密斯，到至今仍在活跃的摄影师伊特卡·汉泽洛娃、阿拉姆·谢卜利。很大程度上，这24篇文章代表了约翰·伯格有关摄影之写作的最高水准。 全书收录近三十张经典黑白摄影作品，方便读者在阅读伯格文章的同时，更好地理解像奥古斯特·桑德、保罗·斯特兰德这样享誉摄影史的大师名作，以及克里斯·基利普、伊特卡·汉泽洛娃、阿拉姆·谢卜利这样至今仍活跃于创作一线的名家新作。 约翰·伯格（John Berger），英国艺术评论家、小说家、画家和诗人，1926年出生于英国伦敦。1944至1946年在英国军队服役。退役后入切尔西艺术学院和伦敦中央艺术学院学习。1940年代后期，伯格以画家身份开始其创作生涯，于伦敦多个画廊举办展览。1948年至1955年，他以教授绘画为业，并为伦敦著名杂志《新政治家》撰稿，迅速成为英国最有影响力的艺术批评家之一。1972年，他的电视系列片《观看之道》在BBC播出，同时出版配套的图文书，遂成艺术批评的经典之作。小说《G》为他赢得了布克奖及詹姆斯·泰特·布莱克纪念奖。2008年，伯格凭借小说《A致X：给狱中情人的温柔书简》再次获得布克奖提名。2017年1月2日，约翰·伯格在法国安东尼去世。 任悦，策展人，摄影评论人，摄影教育工作者，现任职于中国人民大学新闻与传播学院。出版有《1416摄影辞典》等著作。

《论摄影》不仅是一本论述摄影者的经典著作，而且是一本论述广泛意义上的现代文化的经典著作。它不是一本专业著作，书中也没有多少摄影术语，尽管有志于摄影者，应人手一册。它的对象主要是知识分子、作家和文化人。 桑塔格深入探讨摄影的本质，包括摄影是不是艺术，摄影与绘画的相互影响，摄影与真实世界的关系，摄影的捕食性和侵略性。摄影表面上是反映现实，但实际上摄影影像自成一个世界，一个影像世界，企图取代真实世界。 对读者而言，这本书的丰富性和深刻性不在于桑塔格得出什么结论，而在于她的论述过程和解剖方法。这是一种抽丝剥茧的论述，一种冷静而锋利的解剖。精彩纷呈，使人目不暇接。桑塔格一向以庄严的文体著称，但她的挖苦和讽刺在这本著作中亦得到了充分的发挥。 《论摄影》出版于一九七七年，轰动一时，引起广泛的讨论，并荣获当年的全国图书批评界奖，至今仍被誉为“摄影界的《圣经》”。 本版配以60余幅世界摄影史上的珍贵照片，推出极具艺术品位与收藏价值的“插图珍藏本”，使《论摄影》真正成为图文并茂的文化经典。 苏珊·桑塔格：1933年生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙娜·波伏瓦、汉娜·阿伦特并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖，2001年获耶路撒冷国际文学奖，2003年获德国书业和平奖。2004年12月28日病逝于纽约。

★ 摄影家阮义忠的三堂创作课； ★ 摄影改变他，他改变世界； ★ “启蒙者与拓荒者”写给青年摄影人的创作秘籍； ★ 收录百余幅经典摄影作品，艺术爱好者不可错过的盛宴。

享有“世界摄影之于中国的启蒙者和传道者”之名的摄影家阮义忠，是华人摄影界的重要人物。上世纪七十、八十年代，他撰写的《当代摄影大师》《摄影美学七问》等著作、创办的《摄影家》杂志，把世界摄影大师的作品介绍到国内，影响了一代人。他的作品讨论摄影而不限于摄影，跨越个人、社会、历史、科技、文化、传播、建筑、文学等层面，拓宽了摄影的文化视野，也为摄影在人文地图中的定位提供了更准确的坐标。陈丹青曾说：“阮义忠的言说侧重摄影的社会与道德立场，陈传兴的表述则把握摄影的文化涵义。我相信如阮义忠那般热情，陈传兴那般冷静的有志于摄影启蒙的人物经己出现并散布在我们周围……我愿预先向他们表达或者说，追致敬意。” 2020年，七十岁的阮义忠先生站在人生新的起跑点上。像一台永动机，仍然不断进取。位于故乡宜兰的“阮义忠台湾故事馆”定期以对话形式展览名家摄影作品，两年一度的“阮义忠摄影人文奖”不断发掘有潜质的摄影家。而《阮义忠谈艺录》中，有足以填补艺术史空白的书信访谈，有成书于二十多年前的真挚探讨，这一套“不止于摄影”的多维度艺术手册，跨越了摄影、建筑、绘画、音乐等领域，把这一切都融合在一起，提供一种富于人文情怀的看世界的方法：把外界和自身经历相互点亮，变成属于自己的烙印。 三本书从不同角度切入，跨越摄影、绘画、音乐、建筑等众多领域，让读者走近摄影作品背后的阮义忠，感受生活美学、文字的温度和字里行间的人文情怀。书中收录百余幅经典摄影作品，每一帧图片都经过精修，清晰度和层次感都有极大改善，是一场艺术爱好者不可错过的视觉盛宴。

◎摇滚桂冠诗人的私藏影像，胶片与笔墨记下365+1次对生活的致意 ◎童年珍宝、旧日盟友、文学英雄、旅途一瞥，正在阅读的书籍与房间中流淌着的音乐…… ◎与帕蒂·史密斯共度的一年，深入艺术家的心灵殿堂 ◎启发你探索日常生活闪光与灵感的治愈之书 “这本书，是为了表达感谢，希望它可以振奋心灵，即便是在至暗时刻。每一个日子也都如此宝贵，因为我们还在呼吸，依然能被洒向高耸的树枝、清晨的工作台或是心爱诗人墓碑的阳光所感动。” 1994年，丈夫去世后，宝丽来Land 250胶片相机帮助帕蒂·史密斯度过了无法写作的艰难时光；2010年，她获得了第一部手机，在朋友的启发下开始用手机进行艺术创作；2018年，她开通了社交媒体账户，持续发信，以影像与文字同当下时代建立联系。2022年，在隔离之中，她重新审视自己的生活，从社交媒体获得灵感创作了这部影像日记，记录下一年366天的珍贵时刻。 在《从昨日醒来》中，身为音乐人与作家的帕蒂·史密斯，融合古老与现代的记录方式，以简短克制的文字和相互关联的影像，创造出一种独特的韵律，让过去与当下在纸上显影：手边的咖啡与墨镜、书桌上的琐碎之物、爱猫开罗、来自梅普尔索普的项链、弗雷德的吉他、兰波的旧居、黑泽明的水车、关门前夜的CBGB……带领我们进入这位艺术家的世界，一窥其日常生活与灵感来源。 帕蒂·史密斯（Patti Smith） 美国音乐人、作家、诗人、视觉艺术家，凭回忆录《只是孩子》获得美国国家图书奖，其著作还包括《时光列车》《奉献·白日梦》《梦旅店》《诗与歌》等随笔与诗集。她的开创性专辑《群马》被《滚石》杂志纳入史上最伟大的百张摇滚专辑之列，她也以“摇滚桂冠诗人”与“朋克教母”著称，2007年入选摇滚名人堂。此外，她还使用宝丽来Land250相机和手机进行视觉艺术创作，在世界各地多次举办影像展览。 董楠（译者） 笔名Nebula，专注音乐书籍翻译。译作包括《答案在风中飘》《炽热的光及其他一切》《我们的乐队也可以成为你的生活》《吉姆·莫里森诗集》《乐队女孩：金·戈登回忆录》《满是镜子的房间：吉米·亨德里克斯传》《聆听大门》《穿越火焰》等。

从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？ 从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与幻的文学和艺术想象？ 从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？ 从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？ 有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。 巫鸿（Wu Hung），著名美术史家、批评家、策展人，芝加哥大学教授。1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位，同年受聘主持芝加哥大学亚洲艺术教学，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任，兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。2008年被遴选为美国国家文理学院终身院士，并获美国大学艺术学会美术史教学特殊贡献奖，2016年获选为英国牛津大学斯雷特讲座教授，2018年获选为美国大学艺术学会杰出学者，2019年获选为美国国家美术馆梅隆讲座学者，并获得哈佛大学荣誉艺术博士。成为大陆赴美学者获得这些荣誉的第一人。

本书收录了大卫·霍克尼与好友保罗·乔伊斯关于摄影的对谈十七篇，内容关于霍克尼的图像思考与影像实验，展现了一位多才多艺、创造力十足的艺术家，在探索摄影可能性的道路上可以走多远。观看与空间，是霍克尼一如既往的关注。在本书中，他认为拼贴是摆脱传统观看方式的关键，是对表面的确认。霍克尼将自己的创作看作是用摄影来批判摄影。“毕竟，光用言语是不行的。你得使用摄影的语言。” 本书充分体现了一位杰出艺术家的实践自觉与理论自觉。作为大卫·霍克尼唯一一部专⻔论述摄影与影像艺术的著作，本书第一版曾在1994年被引进中国，在艺术相关专业的师生群体中引起了广泛讨论。此后的二十余年，随着大卫·霍克尼著作的中文版陆续推出，本书逐渐淡出了国内读者的视野。理想国首次引进增订本，期待它将持续激起新的、更大的水花。 大卫·霍克尼（David Hockney），画家、摄影师。20世纪60年代波普运动在英国的代表，被认为是20世纪最具影响力的英国艺术家，也是当今国际画坛最有影响力的艺术家之一。霍克尼早年接受正规艺术教育，毕业于伦敦皇家艺术学院，1966年（29岁）即在画廊举办个人画展。受现代主义思潮影响，创作了大量蚀刻版画，受到艺术界的重视。20世纪60年代多次到美国旅行，后在加州设立了自己的工作室。由此转向写实风格，并创作了多幅经典名作。如《更大水花》，《一个艺术家的肖像》等。 20世纪80年代起，霍克尼创作了一系列名为“Joiners”的摄影拼贴作品，通过宝丽来相片，探讨了绘画与摄影在视觉表现上的关系，对摄影作为艺术的可能性做了具有重要意义的探讨。这使他在摄影史上，享有与画家格哈德•里希特同样的重要地位。而在贡布里希的《艺术的故事》中，霍克尼也成为仅有的两位被介绍到的摄影师，另一位是布列松。 保罗·乔伊斯（Paul Joyce），电影制作人，拥有一家名为Lucida Productions的电影公司，主要拍摄艺术类纪录片。他是大卫·霍克尼的好友，20世纪80年代至21世纪初，因为工作关系，他曾有大量机会和霍克尼在一起，对霍克尼那一时期的生活、工作有较为全面的了解。

摩天大楼群形成的山谷之间、老街的巷弄里、山手线沿线的住宅街、墓地……荒木经惟漫步在他所深爱的城市——东京。他在途中邂逅了美女，重新体验令人怀念的昭和风情，以及未随着时代变化的孩童笑颜。这一路上，有幸福、有梦。和偶遇的人们凝视、交谈的霎时，荒木的摄影机纪录了迸发于该时空的微妙情感，随意走走如此行进之真意亦在底片感光下解构而出。“女性是最棒的，街道也是最棒的。”名照片以名言点缀的本书，正是“漫步”与“街道纪实摄影”的极致之作！ 荒木经惟 摄影师，当代艺术家。 荒木经惟发表过许多以性爱为题材、惊世骇俗的裸露作品，其中包括他与妻子阳子的私生活，震惊了当时的摄影界与日本社会。现在，民众爱称他为“天才ARAKI”，欧美亦尊崇他为“Gran Maestro”（大巨匠），在国际间拥有相当高的评价。 1940年出生于东京府下谷区（今东京都台东区）三之轮。 1963年自千叶大学工学院摄影印刷工学系毕业。同年，进入电通广告公司。 1964年，以《阿幸》获得第一届太阳奖。 1971年，与电通同事青木阳子结婚。荒木将两人蜜月旅行的点滴照片集结成摄影集《感伤之旅》，自费印刷了1000本出版，亦借此提出他的“摄影家宣言”。 1972年离开电通，正式以摄影师为业，开始拍摄东京街景。 1988年，成立“Aat Room”事务所。 1990年，拍摄亡妻阳子的遗体，前卫的摄影概念撼动了当代摄影界。 2008年，荒木获奥地利政府授予的科学与艺术勋章。期间，他仍不间断进行自2002年展开的“日本人的容颜”纪实摄影计划，目标拍摄日本全国各地的民众肖像。

《论摄影》不仅是一本论述摄影者的经典著作，而且是一本论述广泛意义上的现代文化的经典著作。它不是一本专业著作，书中也没有多少摄影术语，尽管有志于摄影者，应人手一册。它的对象主要是知识分子、作家和文化人。 桑塔格深入探讨摄影的本质，包括摄影是不是艺术，摄影与绘画的相互影响，摄影与真实世界的关系，摄影的捕食性和侵略性。摄影表面上是反映现实，但实际上摄影影像自成一个世界，一个影像世界，企图取代真实世界。 对读者而言，这本书的丰富性和深刻性不在于桑塔格得出什么结论，而在于她的论述过程和解剖方法。这是一种抽丝剥茧的论述，一种冷静而锋利的解剖。精彩纷呈，使人目不暇接。桑塔格一向以庄严的文体著称，但她的挖苦和讽刺在这本著作中亦得到了充分的发挥。 《论摄影》出版于一九七七年，轰动一时，引起广泛的讨论，并荣获当年的全国图书批评界奖，至今仍被誉为“摄影界的《圣经》”。 苏珊·桑塔格，1933年生于美国纽约，毕业于芝加哥大学。1993年当选为美国文学艺术学院院士。她是美国声名卓著的“新知识分子”，和西蒙娜·波伏瓦、汉娜·阿伦特并称为西方当代最重要的女知识分子，被誉为“美国公众的良心”。2000年获美国国家图书奖，2001年获耶路撒冷国际文学奖，2003年获德国书业和平奖。2004年12月28日病逝于纽约。

◆“变成相机的男人”：《Provoke 挑衅》创刊人、森山大道“最爱的宿敌”，摄影的思想者与实干家如何用人生回应摄影的意义。 ◆“阅后即焚”：是什么，让中平卓马宣布与摄影决裂，将自己的所有摄影作品烧光？为什么，是植物图鉴？推翻自己的激进宣言，风格秀异的摄影写作。 《为什么，是植物图鉴》是日本传奇摄影师中平卓马的摄影评论集，共35篇。书中，作者提出的问题是一个摄影创作者都必须面对的困境——我们如何透过照片逼近真实？同时，作者也通过书名逼迫摄影与自我表现的关系，照片如果不是传达作者的意旨，那照片是什么？按下快门，一切因此结束。 中平卓马，摄影家，摄影评论家。1938年生于东京，1958年进入东京外国语大学西班牙语系就读。毕业进入《现代之眼》担任编辑，1968年与高梨丰、多木浩二共同创办摄影同人志《挑衅》，对日本战后摄影产生重大影响。1970年出版摄影集《为了该有的语言》，翌年参加巴黎青年双年展。 1973年发表评论集《为什么，是植物图鉴》，宣布与摄影决裂，这本本也宣告他与《挑衅》时代的自己彻底诀别。在这本书出版之后，中平卓马将自己此前所有的摄影作品烧光。 1976年与筱山纪信于《朝日相机》共同连载《决斗写真论》。1977年，因酒精中毒紧急送医，造成逆行性记忆丧失。此后，摄影遂成中平卓马作息般的生理行为，每天外出拍照，被称“变成相机的男人”。2015年，因肺炎在横滨市某医院去世，享年77岁。